Hoy quiero contarte un poco sobre mi experiencia con la pintura con fuego, donde la dualidad cobra vida. El fuego deja de ser una simple herramienta para convertirse en interlocutor. A veces lo siento casi como una voz que responde, una presencia que guía el proceso. Podría decir que se transforma en un lenguaje, uno que no se habla con palabras, sino con calor y luz capaz de revelar la energía oculta de los metales y el pulso invisible de la materia.

La pintura con fuego (flame painting) convierte el cobre en lienzo y el calor en pincel. En cada pieza, la materia revela su propio color, su ritmo y su energía. No hay dos piezas iguales: cada gesto del fuego deja huellas irrepetibles, reflejando el instante en que el calor, el aire y el metal se encuentran.

Todo comienza mucho antes de encender el fuego. Primero, elijo el cobre: observo su superficie, lo limpio, lo pulo hasta que brilla como si respirara. Es casi un ritual. Luego llega el momento del fuego, y ahí empieza la conversación. Con el soplete en mano, dirijo el calor en movimientos precisos o gestuales, según lo que la pieza me pida. A medida que la temperatura sube, el metal empieza a transformarse ante mis ojos: aparecen reflejos dorados, destellos rosados, azules profundos y violetas que cambian en cuestión de segundos.

Y aquí ocurre la magia (en realidad no es magia, es un proceso químico): mientras más se calienta el metal, más gruesa se vuelve la oxidación y su estructura molecular cambia, alterando la forma en que la luz se refleja. Es como si el cobre hablara otro idioma cada vez que se enciende. De pronto, los dorados se vuelven rojos, los azules viran al verde, y todo depende de algo tan impredecible como la humedad del aire o el ánimo del día. Por eso, ninguna obra se repite.

Lo más fascinante es que esos colores no vienen de ningún pigmento ni tinta. Son el resultado de una oxidación natural: cuando el calor entra en contacto con el cobre, las moléculas de oxígeno se combinan con su superficie formando una delgadísima capa de óxido (Callister & Rethwisch, 2018). Esa capa es, literalmente, el color. Este fenómeno no solo es químico, sino también físico. La luz se refleja en las capas microscópicas de óxido produciendo interferencias ópticas similares a las que observamos en burbujas o plumas iridiscentes. La ciencia explica la técnica, pero el fuego y la mano del artista la transforma en arte.

Asimismo, Tim Ingold (2013) también aporta un marco útil: “hacer es una forma de pensar con los materiales”. En el flame painting, ese pensamiento ocurre en tiempo real: cada movimiento del soplete, cada pausa y cada giro del cobre es un diálogo entre mente, mano y elemento.

En los talleres que imparto, los participantes descubren que no se trata solo de pintar con fuego, sino de escuchar el comportamiento del material. Aprenden a comprender cómo responde el cobre ante el calor, el aire y el tiempo. La experiencia se convierte en una práctica meditativa: algunos describen la experiencia como una forma de mindfulness creativo, donde el fuego se convierte en espejo del propio ritmo interior. Se aprende a dialogar con la materia, a respetar la imprevisibilidad y a celebrar el azar como elemento artístico. Cada pieza final es, así, tanto un registro del fuego como de la presencia del artista.

Pintar con fuego es, en el fondo, aprender a soltar. Es aceptar que todo está en constante transformación y que cada obra captura solo un instante: una huella térmica del tiempo, del movimiento y de la energía.

Como decía Paul Klee, “el arte no reproduce lo visible, lo hace visible”. En el flame painting, eso sucede literalmente: el calor revela lo que estaba oculto, lo que solo existe por unos segundos antes de cambiar otra vez. Es una práctica que enseña paciencia, humildad y asombro; una forma de dialogar con la materia y contigo mismo.

Y tal vez eso sea lo más bonito de todo: entender que cada chispa, cada color que aparece y desaparece, es una invitación a seguir explorando, a mirar más de cerca, a dejarte sorprender por lo que el fuego y la vida tienen aún por mostrarte.

Hace más de 18 años descubrí todo lo que se podía hacer con una hoja de papel, que con una serie de pliegues lo transformaba en diferentes formas. Desde entonces, el origami se convirtió en una de mis grandes pasiones además del dibujo.

También he tenido el honor de colaborar con la Embajada de Japón en Panamá con mi empresa Origami Kokeshi desde hace muchos años en eventos culturales, donde se resalta no sólo el origami, pero muchas otras tradiciones japonesas.

Bienvenidos a este espacio donde aprenderás el encanto de un arte que nunca deja de sorprender y donde compartiré con ustedes la todo lo que he aprendido de la historia del origami a través de los años, sus diferentes usos, su impacto y sobre todo su presencia en Panamá.

Vamos a empezar por lo más importante: Qué es el origami?

Recuerdas los barquitos y sombreritos de papel que hacías en la escuela? O alguna vez quizás jugaste con un adivinador (en otros países le llaman de diferentes maneras como fortune teller, sapitos, sacapiojos, comecocos, etc). Desde pequeños hacíamos origami y no lo sabíamos!

Datos curiosos sobre la historia del origami:

• Origen japonés: Aunque popular en Japón, también tiene raíces en China.
• Grulla icónica: Hacer 1,000 grullas simboliza esperanza y buena suerte.
• Sin herramientas: El origami tradicional sólo usa papel y pliegues.
• Inspiración científica: Se aplica en robótica, ingeniería y medicina.
• Récords extremos: Desde figuras diminutas hasta gigantes de papel.
• Vínculo matemático: Los pliegues complejos se basan en geometría avanzada.

Algunos de los muchos beneficios de practicar origami:
 

• Mejora la concentración: Fomenta el enfoque en detalles y pasos precisos.
• Estimula la creatividad: Invita a experimentar con formas y colores.
• Reduce el estrés: Relaja la mente, similar a la meditación.
• Desarrolla la destreza manual: Mejora la coordinación y habilidades motoras.
• Fomenta la paciencia: Enseña a disfrutar el proceso paso a paso.
• Estimula el pensamiento lógico: Refuerza la resolución de problemas y la organización mental.

Ahora que sabes un poco más sobre el origami, te animas a practicarlo?

Los invito a seguir explorando el mundo del origami en los próximos artículos!

Por ejemplo, pensemos en Mario, un gestor cultural que publicó su idea de organizar una exposición en su ciudad. Recibió comentarios de otros miembros interesados en sumarse, y lo que comenzó como un simple post terminó en un evento exitoso que atrajo a cientos de personas. Sin esos primeros mensajes de apoyo, esa exposición quizás no habría visto la luz. Al dar un paso al frente y participar activamente, cada miembro tiene el poder de convertir una simple idea en una realidad.

Podemos redefinir las comunidades! una comunidad no se construye solo con publicaciones; se construye con interacciones reales y significativas. Cuando le das “me gusta” a la obra de un colega, no solo le estás diciendo que valoras su trabajo; estás construyendo un lazo que puede abrirte puertas en el futuro. Las redes sociales tradicionales son lugares de autopromoción, pero queremos que este espacio sea uno de apoyo mutuo, donde el éxito de uno es un triunfo para todos. Ser protagonista en una red social significa salir de la zona de confort y crear un impacto tangible en la comunidad.

La próxima vez que navegues, intenta dejar un comentario, felicitar a un artista o compartir una publicación que te inspire. Verás cómo, con el tiempo, esas pequeñas acciones regresan a ti en forma de oportunidades, reconocimiento y, quién sabe, quizá tu próximo gran proyecto. Porque cuando pasas de ser un espectador a un protagonista, creas un espacio donde el arte realmente florece y tu presencia se hace sentir.

El papel reciclado es el resultado de un proceso que transforma desechos de papel en nuevos productos utilizables, reduciendo así la demanda de recursos naturales. Según un estudio de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), reciclar una tonelada de papel puede ahorrar hasta 17 árboles y 26.500 litros de agua (UNESCO, 2019). Este proceso es clave en la lucha contra la deforestación y el cambio climático, ya que disminuye las emisiones de dióxido de carbono y el uso de energía en la producción de papel nuevo.
 

La elaboración de papel artesanal es un proceso que responde a técnicas ancestrales con un enfoque contemporáneo. Las personas interesadas en vivir la experiencia, aprenden a transformar pulpa de papel reciclado en nuevas hojas, experimentando con texturas, colores y técnicas que permiten la creación de obras únicas. Este proceso no solo recupera el papel, sino que lo resignifica, otorgándole una nueva vida y propósito.
 

Beneficios Personales y Ambientales del Papel Reciclado

• El proceso de reciclaje promueve habilidades manuales y artísticas, estimula la creatividad y proporciona una satisfacción personal al ver los resultados de su trabajo. Además, trabajar con materiales reciclados puede reducir el estrés y mejorar el bienestar emocional, ya que la actividad artesanal tiene un efecto terapéutico.
   
• A nivel ambiental, el reciclaje de papel contribuye significativamente a la reducción de residuos en vertederos, disminuye la demanda de producción de papel nuevo y reduce la huella de carbono. La práctica del reciclaje en la comunidad educativa también tiene un efecto multiplicador, ya que los estudiantes llevan estos hábitos a sus hogares, promoviendo una cultura de sostenibilidad más allá de las aulas.

Uno de los productos más populares que se crean en el laboratorio son los separadores de libro. Estos no solo son prácticos, sino que también pueden ser una expresión personal del estilo de cada creador.
 

A continuación, te comparto un breve proceso sobre cómo se elaboran:

1. Recolección de Materiales: Se utilizan papeles reciclados, que pueden provenir de cuadernos, periódicos o cualquier otro tipo de papel que ya no se necesite. Esto brinda una segunda vida a materiales que de otro modo serían desechados.

2. Preparación de la pulpa: se corta en trozos pequeños el papel recolectado, luego es triturado con una licuadora o batidora manual para acelerar el proceso. Después es colado y secado esto puede durar varios días.

3. Diseño y Planificación: Los participantes son animados a pensar en el diseño de su separador. Pueden optar por patrones, colores o incluso ilustraciones que reflejen su personalidad o intereses.

4. Corte y Montaje: Con tijeras, marcadores y pegamento, los participantes comienzan a dar forma a sus separadores. Este proceso es muy divertido y permite experimentar con diferentes texturas y combinaciones de papel.

5. Decoración: Para darle un toque final, se pueden añadir elementos decorativos como cintas, sellos o dibujos a mano. Esto hace que cada separador sea único y especial
El reciclaje de papel, es un pequeño paso hacia un estilo de vida más sostenible, no cambiaremos el mundo, pero, transformamos nuestra consciencia y con ello, nuestro entorno más cercano.
 

El sobrepeso y la obesidad son comunes en escenas artísticas, connotaciones religiosas, cargadas de simbolismos como la Venus de Willendorf, por lo tanto, ignoramos o restamos importancia a sus alcances letales.

Revelando la Realidad del Sobrepeso y la Obesidad

Seguramente en algún momento al asistir a una cita médica, en tu comunidad, lugar de trabajo o a través de tu celular has escuchado o visto el término “obeso” y con él la explicación de los problemas que lo acompañan. Si no ha sido este el caso, acompáñame y te cuento más sobre esta condición.

El sobrepeso y la obesidad son definidos como almacenamientos excesivos de grasa en el cuerpo que pueden perjudicar nuestra salud de múltiples maneras. Es considerada una enfermedad crónica. Actualmente el panorama es desalentador para los próximos años, aunque la Organización Mundial de la Salud (OMS) trabaja constantemente en combatirlo y de hecho cuenta con variados programas para mantener el bienestar del individuo en general.

El sobrepeso y la obesidad se han convertido en un problema social, su principal detonante, el sedentarismo, la dieta ultra procesada y poca actividad física y no es reciente, “desde 1975, la obesidad se ha casi triplicado en todo el mundo” (OMS, 2023).

“En Panamá, según datos encontrados en el informe Análisis de Situación de Salud de Panamá 2018, entre las cinco principales enfermedades crónicas no transmisibles, la Obesidad/Sobrepeso representa el 43.60% a nivel nacional” (Ministerio de Salud, 2018).

La Lucha Contra el Estigma y la Aceptación

¿Pero somos conscientes de esta situación o simplemente nos aceptamos tal y como somos “sin estándares de belleza”? Es importante estar motivados y tener en nuestro círculo social más cercano personas empáticas que comprendan el proceso que enfrentas; pero ¿qué sucede cuando no somos conscientes del alcance de esta situación? Pueden ocurrir varias cosas, sientes cansancio general, irritación, frustración, te sometes a dietas extremas que al final te llevan a recorrer una y otra vez este círculo vicioso y cada vez con más complementos como una presión arterial elevada, arritmias cardiacas, apneas de sueño, estrés, discriminación y mucho más.

Una de las muchas frases que se escuchan constantemente en las redes sociales es “acéptate como eres”, pero ¿qué tan positivo es esta frase para un individuo que presenta obesidad tipo II y dependencia emocional hacia la comida? Bueno, básicamente, se debe invitar a las personas a conocer el origen de esta enfermedad y los efectos estocásticos que pueden desarrollarse a partir de los tres años de mantener el peso por encima de los índices respecto a su altura y actividad física.

Proteger nuestro cuerpo es un trabajo diario y cada uno lo hace de la manera en que mejor le funciona, pero debemos ser realistas, la obesidad afecta nuestro bienestar físico y mental. Mantengamos una escucha activa y validemos los sentimientos mientras quien lo padece hace cambios en su cuerpo y avanza en su proceso.

Actualmente la artista Nidia Gaitán trabaja en una serie de obras con esta temática buscando sensibilizar y educar al respecto. Te invito a que reflexiones con una de sus obras más recientes.

Título: Sin retorno

Técnica: Grabado sobre tetrapack

Dimensiones: 19.5 x 24.5 cm

Créditos de imágenes: venus de Willendorf | Wiki commons.

Bienvenidos de nuevo a nuestra serie "Apreciar el Arte: Un Viaje de Descubrimiento y Conexión". En nuestro último encuentro, hablamos sobre la importancia de detenernos y observar más allá de la primera impresión al enfrentarnos a una obra de arte. Hoy, vamos a sumergirnos en el fascinante mundo de los elementos visuales básicos del arte y cómo estos influyen en nuestra percepción y emociones.

El Poder del Color

El color es uno de los elementos más impactantes en el arte, capaz de evocar emociones y construir atmósferas sin una sola palabra. Desde los vibrantes rojos que capturan la pasión y el peligro, hasta los azules tranquilos que evocan la calma y la serenidad, cada color tiene su propio lenguaje emocional. Al apreciar una obra de arte, pregúntate: ¿Qué emociones te suscita este color? ¿Cómo utiliza el artista el color para guiar tu atención a través de la obra?

La Forma: El Contorno de la Emoción

La forma, ya sea definida con precisión o sugerida de manera abstracta, es esencial para entender la estructura y el propósito de una obra. Las formas geométricas pueden ofrecer un sentido de orden y estabilidad, mientras que las formas orgánicas y fluidas pueden transmitir movimiento y emoción. Observa cómo las formas interactúan entre sí y con el espacio que las rodea, y considera qué sensaciones o ideas pretende evocar el artista con estas interacciones.

Composición: El Arte de Equilibrar

La composición es el arte de organizar los elementos visuales en un espacio para crear un todo coherente y estéticamente agradable. Es lo que guía la mirada del espectador a través de la obra y contribuye al equilibrio o la tensión dentro de la imagen. Analiza cómo el artista ha distribuido los elementos en la obra: ¿Hay un punto focal claro? ¿Cómo contribuyen las líneas y la distribución de masa a la impresión general de la obra?

Experimentando el Arte Visual

Para apreciar verdaderamente estos elementos, te animamos a experimentar por ti mismo. La próxima vez que visites una galería o incluso mires una obra de arte en línea, toma un momento para identificar cómo el color, la forma y la composición guían tu experiencia. Verás que, con la práctica, podrás descubrir capas de significado que antes pasaban desapercibidas.

A través de "Apreciar el Arte", esperamos no solo enriquecer tu comprensión del arte, sino también profundizar tu conexión emocional con las obras que encuentres. Sigue a Ritmonía para más exploraciones en el mundo del arte.

A medida que seguimos explorando el mundo del arte, hemos visto cómo el color, la forma y la composición pueden transformar nuestra percepción y emociones. Pero el arte es más que solo elementos visuales; es una expresión de la experiencia humana a través del tiempo y las culturas.

En nuestra próxima entrega, nos sumergiremos en el "Impacto de los Contextos Históricos y Culturales en el Arte". Descubriremos cómo el contexto en que una obra fue creada influye en su significado y cómo, a su vez, el arte puede influir en la sociedad. Prepárate para un viaje que atraviesa tiempos y lugares, descubriendo cómo el arte refleja y moldea las identidades culturales.

Dicho en palabras de alguien como yo que lo padece, lo defino como la incapacidad de ver los grises, es decir, de encontrarle un medio a las cosas, todo te vas a los extremos. No puedes controlar tus emociones.

Y dirán, "pero si todos en algún punto perdemos en control por x o y razón, eso no existe", ahí debo negarte y decirte que es muy real y afecta a más personas de lo que parece. Yo incluida.

Todo lo aquí descrito, lo planteo y comparto desde mi experiencia personal.

Entonces ¿Qué es el trastorno límite de la personalidad concretamente?

Citado del instituto nacional de la salud mental de Estados Unidos:

"El trastorno límite de la personalidad es una enfermedad mental que afecta gravemente la capacidad de una persona para controlar sus emociones. Esta pérdida de control emocional puede aumentar la impulsividad, afectar cómo se siente una persona sobre sí misma y repercutir negativamente en sus relaciones con los demás."

¿En dónde entra el arte en todo esto?

Pues, honestamente como en todo artista, para una persona que no controla sus emociones o no puede manejarlas, el arte funciona como herramienta para permitir la comunicación y libertad de sentirnos capaces y más conectados con nosotros mismos y los demás.

De sentir que encajamos o somos normales.

El arte, al ser un lenguaje universal, no juzga de ninguna manera, ni sigue ningún abecedario, por lo que es perfecto para encontrar un lugar seguro y sano en el cual gritar y expresarte, sintiendo los grises que tanto faltan en nuestras vidas.

Mi experiencia

Yo fui diagnosticada a una edad adulta, como muchas enfermedades mentales, así que el impacto es mayor al no sentirme que encajo en ninguna parte como persona.

No soy una niña y tampoco soy una adulta. Entonces, ¿Qué soy?

En el arte, puedes ser un niño y expresarte. Así como puedes ser un adulto y equivocarte.

Desde antes del diagnóstico, siempre me encajaban en "tienes depresión" o el típico "tienes ansiedad", pero siempre supe que había algo mucho más allá que estos dos síntomas. Y tuve la razón.

Recibir un diagnóstico de lo que sea, es muy fuerte de asimilar.

Yo aún, con más de año desde el diagnóstico, lucho con aceptar de que de verdad estoy enferma, porque las enfermedades mentales son así de silenciosas y crueles. Te hacen creer que estás bien y de un día para otro sientes que el mundo te está aplastando.

No tengo una discapacidad física, pero si mental. Y eso da mucho miedo igualmente.

Pintar llegó tarde también, hace unos cortos cinco años más o menos, pero me ha recibido tan bien, que jamás creo poder encajar en un mundo más grande que este nuevamente.

Es un sentimiento único e indescriptible para mí, ser capaz de expresar los grises o de simplemente soltar mi dolor y estrés.

No es necesario ser un artista profesional, o dígase un académico o un Da Vinci, es solo usar los colores y tus alrededores para plasmar lo que más te llame la atención o sientas que desees inmortalizar en papel.

Como, por ejemplo, pintar una rosa de negro, porque para ti ese color irradia felicidad y la rosa simboliza la belleza que viste al enamorarte de una persona.

O pintar un mar de rosado en un atardecer, porque no habías visto nada más hermoso y efímero, así que quieres guardarlo para toda la vida.

Mi mensaje

Mi intención con todo esto no es dar lástima o pesar. Es despertar e incentivar.

Uno se siente incapaz de vivir, así como se siente incapaz de controlar su sentir, pero debo decirles que, si se puede, aunque nuestro ritmo y forma de convivir sea distinta a la de los demás, si se puede.

Si, estoy enferma, pero sigo viva y eso debo aprovecharlo al cien para poder demostrarle a mi yo interior, mi mayor enemiga, que soy capaz y soy fuerte. Más de lo que la sociedad piensa de mi.

Para mi, el arte es mi abecedario, pero para ti puede ser un deporte, o la música, o los números e incluso los idiomas. Lo que te apasione, te ayudará a seguir.

No estás solo y no es el final.

Permite que el arte y lo que amas, sean tus herramientas para combatir en esta batalla ardua de la vida.

¡Tú puedes!

Bienvenidos a un viaje único, donde cada paso nos lleva a descubrir más sobre el mundo, sobre nosotros mismos y, sobre todo, sobre el arte que nos rodea. En Ritmonía, creemos que el arte es una ventana a nuevas perspectivas, emociones y conexiones. Este es el inicio de nuestra serie "Apreciar el Arte: Un Viaje de Descubrimiento y Conexión", donde exploraremos juntos cómo el arte puede tocarnos, transformarnos y unirnos.

El Arte en Todos Nosotros

El arte está en todas partes, desde la grandiosa pintura en un museo hasta la sencilla belleza de una calle adornada con grafitis. Pero, ¿cómo comenzamos a apreciar esta diversidad? La clave está en aprender a mirar no solo con los ojos sino con el corazón y la mente abiertos.

Primeros Pasos en la Apreciación

Apreciar el arte no requiere de una educación formal en arte o de un conocimiento profundo sobre historia del arte. Comienza con algo tan simple como detenerse. Sí, detenerse a observar realmente una obra, a sentir lo que nos transmite y a reflexionar sobre lo que el artista podría estar comunicando. Es un diálogo silencioso, pero profundamente personal, entre el observador y la obra.

Además de detenernos, otro paso crucial es explorar más allá de la primera impresión. A menudo, nuestra primera reacción a una obra de arte es superficial, basada en nuestras preferencias inmediatas o preconcepciones. Sin embargo, el arte invita a la paciencia. Pregúntate: ¿Qué historia cuenta esta obra? ¿Cómo se relaciona con su tiempo o su cultura? ¿Qué técnicas y materiales utilizó el artista para crear estas formas, texturas y colores? Este enfoque más profundo nos permite apreciar no solo la obra en sí, sino también el proceso creativo y el contexto histórico detrás de ella.

Esta práctica de explorar más allá de la primera impresión nos enseña a apreciar la diversidad del arte y a entender que cada pieza, ya sea un cuadro clásico, una escultura moderna, o un graffiti urbano, tiene su propio valor y significado. Nos prepara para el descubrimiento, abriendo nuestra mente a nuevas ideas y perspectivas que quizás nunca habíamos considerado.

Abriendo Caminos

Este primer paso es solo el inicio. A medida que avanzamos, descubriremos que la apreciación del arte es un camino lleno de descubrimientos. En nuestro próximo blog, profundizaremos en cómo los elementos visuales básicos -como el color, la forma y la composición- pueden influir en nuestra percepción y apreciación del arte.

Invitamos a todos, aficionados, curiosos y amantes del arte, a unirse a nosotros en este viaje. A través de "Apreciar el Arte", no solo aprenderemos a ver el arte de manera diferente, sino que también descubriremos cómo el arte nos ayuda a ver el mundo con nuevos ojos.

Sigue a Ritmonía para no perderte el próximo capítulo de nuestra aventura artística, donde exploraremos los fundamentos visuales del arte y cómo éstos enriquecen nuestra experiencia estética.

Dos filas de jóvenes, vestidos con colores pasteles y otoñales, ingresaron al patio central del Ministerio de Relaciones Exteriores la tarde del domingo 10 de octubre, para así dar inicio a la 10 versión de PRISMA-Festival Internacional de Danza Contemporánea de Panamá, que vuelve con un formato mixto, tras un año de virtualidad obligatoria por la pandemia.

Justo antes de ingresar, sus coaches, Omar Román de Jesús, Carlos Sánchez Falú y Rafael Canals, de la compañía estadounidense Boca Tuya, les chocaban sus manos, dándoles ánimo ―casi como un ritual de traspaso de energía y talento— para enfrentarse al público nutrido que los esperaba puntualmente. Y no era para menos; este año, los doce jóvenes seleccionados para formar parte del PRISMA LAB JUVENIL tenían la siempre difícil tarea de abrir el telón de nuestra fiesta de la danza contemporánea.

Una semana de ensayo fue suficiente para que estos chicos, provenientes de diferentes fundaciones y programas sociales, nos dejaran el corazón atravesado por sus verdades hechas movimiento, desde los primeros minutos. Los intérpretes nos ofrecieron desplazamientos y rutinas sencillas, alejadas de los vicios de los que practican las técnicas de la danza; pero, definitivamente, cargadas de honestidad y pulcritud en sus secuencias.

Ellos contaban su historia, mientras que los observadores nos reponíamos del nudo en la garganta que nos producía el montaje en su inicio, con la guitarra lastimera y la interpretación de Chavela Vargas de la canción «Las simples cosas» como fondo.

Los jóvenes se estiraban, como si despertaran a la vida, desconociendo acaso lo difícil que puede ser vivirla. Pausaban esa ingenuidad y al reconocer la realidad iniciaban la carrera intrépida por ser libres. De pronto, la histeria y la energía se apoderaron de ellos, quienes, acompañados por el tema «Fiesta de locos» de Calle 13, nos permitían reconocer otro color y sabor de nuestros barrios, esa identidad —tal vez— que ovacionó el público reunido en el histórico edificio de la Cancillería.

La coreografía no solo estuvo caracterizada por una variedad de temas musicales, sino que las imágenes, los momentos y los símbolos se convertían en una crítica lanzada en muchas direcciones. Ese puente humano, sobre el que pasaba un joven tambaleante, nos confronta sobre la cuestión de una juventud que tiene que pasarse por encima, unos a otros, para avanzar; pero a su vez nos enseña que, sin más camino, la ayuda de muchos, o el sacrificio de tantos, puede ser la solución, la forma de construir algo.

Aquel arco humano que atravesaban los doce jóvenes nos invitaba a entrar a su realidad. ¿O era su deseo manifiesto de salir de ella? Vuelven a correr, y es importante destacar, en este sentido, que la manera de huir de sí mismos, con una cualidad de movimiento tan natural, es envidiable para muchos que se dedican al estudio y práctica de la danza contemporánea. Por esto tendríamos que aplaudir el trabajo de años que viene haciendo el equipo de Enlaces de la Fundación Espacio Creativo y Danzárea de la Fundación Gramo Danse, que no solo se han convertido en puente entre los estudiantes de los programas y el arte, sino que además les han dado un porqué.

En la pieza se reivindicó a las mujeres; se confrontaron algunos de sus miedos y pudo un dueto, en nombre de muchas, decirle ¡Basta! al opresor. Ese dúo femenino, en el que se figura que solo una mujer puede ser la sombra de otra, también nos indica que ellas deben sentirse cómodas consigo mismas, sin etiquetas sociales.
En los silencios de la puesta en escena, se escuchaba la melodía de las olas del mar que golpean los extramuros del Casco Antiguo. Y, entre una transición y otra, finalmente hemos podido entender que, pese a todo, estos jóvenes conservan la felicidad en sus corazones y el poder de «inventarse un final».

Cuando escuchamos la palabra literatura, vienen a nuestra mente: libros, poesía y análisis, sin embargo, no necesariamente tenemos que leer un poema o una novela para deleitarnos de las figuras literarias que nos ofrece cada una de ellas.  Hay personas que disfrutan leyendo un poema o una historia escrita por algún autor famoso, y que aun cuando han partido, las siguen leyendo; entre ellas:  Rosa María Britton, Ariel Barría, Ricardo Miró, Gabriela Mistral, Rubén Darío,  Gabriel García Márquez, William Shakespeare y Flannery O’Connor por mencionar algunos, no obstante, hay otras que disfrutan de escuchar la letra de las canciones.  

Para profundizar acerca de ambas preferencias es significativo definir el término ‘lirica’ la cual es definida  como un género literario en el cual el autor expresa sus sentimientos y se propone despertar sentimientos análogos en el lector u oyente.  Esto quiere decir que la lírica puede ser disfrutada mientras se lee o escucha.

De acuerdo a Chang, en su artículo ‘’Tiempo y Sonido: Presencia de la música en la literatura del siglo XX’’, nos comenta que en tiempos medievales, llámese al tiempo comprendido desde la caída de Roma en manos de los godos en 476 d.C. hasta el siglo XV, ya el teatro medieval se fusionaba con  la literatura  y la música lo cual  se confirma a lo largo de los periodos literarios al ver dramas cuyas  escenas   revelan   breves pasajes cantados en forma de diálogo, acompañados por música.  Y para profundizar aún más, Chang destaca que  desde el siglo XVIII, los escritores ceden ante la influencia de la música, ya sea por el contenido temático, por el tratamiento de la poesía y de la prosa, o por la organización estructural.  Por un lado, el contenido temático, al igual que la poesía puede contar con la presencia de onomatopeya la cual es una  figura literaria que  según la Real Academia Española, es la imitación del sonido de algo en el vocablo que se forma para significarlo o vocablo que imita o recrea el sonido de la cosa o la acción nombrada.

Es así que el contenido temático puede ser usado para ejecutar obras teatrales donde la música se puede hacer presente en la voz de algunos de los personajes.   Y por el otro lado, en cuanto  al tratamiento de la poesía, podríamos añadir que en ella hay melodía al cantarla o recitarla, ya que el esquema rítmico de algunos poemas lo permite.

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Valiéndose de imágenes, sonidos y letras, o combinándolos todos, pretende representar la divinidad creativa del ser humano.
Se percibe a través de frecuencias que se abalanzan subliminalmente a tu corazón y que mueven fibras inopinadas de tu cuerpo.

El ritmo y la armonía, ambos conceptos que habitan juntos desde la creación misma, danzan, saben decir y escuchar, saben callar y experimentar con la sinfonía única de la existencia; se mueven a través de espacios inconmensurables para traerte los mensajes directos e inequívocos de años de evolución y siglos de decibeles

Partiendo de este sentir, nuestra misión es poner a disposición de las artes, un espacio libre, donde converjan todas las disciplinas artísticas, a su ritmo y en armonía.

Compartimos la visión de que un punto de encuentro es necesario y posible de alcanzar.